американски уметници. 7 мајстори кои го изненадија светот

Американските уметници се многу разновидни. Некои беа јасно космополитски, како Сарџент. Американец по потекло, но речиси целиот свој возрасен живот го живеел во Лондон и Париз.

Меѓу нив има и автентични Американци кои ги прикажувале животите само на нивните сонародници, како Роквел.

А има и уметници кои не се од овој свет, како Полок. Или оние чија уметност стана производ на потрошувачкото општество. Се разбира, се работи за Ворхол.

Сепак, сите тие се Американци. Слободољубив, смел, светол. Прочитајте околу седум од нив подолу.

1. Џејмс Вистлер (1834-1903)

Вистлер тешко може да се нарече вистински Американец. Растејќи, живеел во Европа. А детството го помина... во Русија. Неговиот татко изградил железница во Санкт Петербург.

Таму момчето Џејмс се заљуби во уметноста, посетувајќи ги Ермитаж и Петерхоф благодарение на врските на неговиот татко (во тоа време тие сè уште беа палати затворени за јавноста).

По што е познат Вистлер? Во кој стил и да пишува, од реализам до тонализам*, речиси веднаш може да се препознае по две карактеристики. Невообичаени бои и музички имиња.

Некои од неговите портрети се имитација на стари мајстори. Како, на пример, неговиот познат портрет „Мајката на уметникот“.

Уметникот создаде неверојатно дело користејќи бои кои се движат од светло сива до темно сива. И малку жолто.

Но, тоа не значи дека Вистлер сакал такви бои. Тој беше извонреден човек. Тој лесно можеше да се појави во општеството облечен во жолти чорапи и носејќи светол чадор. И ова беше кога мажите беа облечени исклучиво во црно и сиво.

Тој има и многу полесни дела од „Мајка“. На пример, „Симфонија во бело“. Така еден од новинарите на изложбата ја нарече сликата. На Вистлер му се допадна оваа идеја. Оттогаш речиси сите свои дела ги насловил музички.

Но, тогаш, во 1862 година, на јавноста не и се допадна Симфонијата. Повторно, поради чудните шеми на бои на Вистлер. Луѓето мислеа дека е чудно да се наслика жена во бело на бела позадина.

На сликата ја гледаме црвенокосата љубовница на Вистлер. Сосема во духот на предрафаелитите. На крајот на краиштата, во тоа време уметникот се дружеше со еден од главните основачи на предрафаелизмот, Габриел Росети. Убавина, лилјани, необични елементи (волчја кожа). Сè е како што треба.

Но, Вистлер брзо се оддалечи од предрафаелизмот. Бидејќи не му беше важна надворешната убавина, туку расположението и емоциите. И создаде нов правец - тонализам.

Неговите пејзажни ноктурни во стилот на тонализам се навистина како музика. Монохроматски, вискозен.

Самиот Вистлер рече дека музичките наслови помагаат да се фокусираме на самата слика, линии и бои. Во исто време, без размислување за местото и луѓето кои се прикажани.

Тонализмот, како и неговиот близок импресионизам, во средината на 19 век, јавноста исто така не беше импресионирана. Премногу далеку од реализмот популарен во тоа време.

Но, Вистлер ќе има време да чека за признавање. Кон крајот на неговиот живот, луѓето ќе почнат доброволно да ја купуваат неговата работа.

2. Мери Касат (1844-1926)

Мери Касат е родена во богато семејство. Таа можеше да го живее целиот живот безгрижно. Омажи се и имај деца. Но, таа избра поинаков пат. Давање завет на целибат заради сликање.

Таа се дружеше со Едгар Дега. Еднаш во среда импресионисти, засекогаш бев фасциниран од оваа насока. А нејзината „Девојка на сино столче“ е првото импресионистичко дело што јавноста го виде.

Но, на никој не му се допадна сликата. Во 19 век, децата биле прикажани како послушно седнати ангели, со свиткани кадрици и розови образи. И еве едно дете, на кое очигледно му е досадно, седи во премногу опуштена положба.

Но, Мери Касат, која никогаш немала свои деца, била речиси првата што почнала да ги прикажува како природни, какви што се.

За тоа време, Касат имаше сериозен „пропуст“. Таа беше жена. Не можела да си дозволи да оди сама во парк да слика од животот. Покрај тоа, одете во кафуле каде што се собраа други уметници. Сите мажи! Што би можела да направи?

Напишете монотони женски чајџилници во дневни соби со мермерни камини и скапи комплети за чај. Животот е одмерен и бескрајно досаден.

Мери Касат никогаш не доби признание. Отпрвин била отфрлена поради нејзиниот импресионизам и наводната недовршена природа на нејзините слики. Потоа, веќе во 20 век, стана остро „застарена“, бидејќи Арт Нову беше во мода (Климт) и фовизам (Матис).

Но, таа до крај остана доследна на својот стил. Импресионизам. Мек пастел. Мајки со деца.

За доброто на сликарството, Касат го напушти мајчинството. Но, нејзината женска страна сè повеќе се манифестираше во такви нежни дела како „Заспано дете“. Штета што конзервативното општество еднаш ја соочи со таков избор.

3. Џон Сарџент (1856-1925)

Џон Сарџент бил сигурен дека цел живот ќе биде сликар на портрети. Кариерата ми одеше добро. Аристократите се наредија да нарачаат од него.

Но, еден ден, според општеството, уметникот ја преминал границата. Сега ни е тешко да разбереме што е толку неприфатливо во филмот „Мадам Икс“.

Точно, во оригиналната верзија хероината имаше една од нејзините ремени надолу. Сарџент ја „подигна“, но тоа не помогна. Нарачките пресушија.

Каква непристојна работа виде јавноста? И фактот дека Сарџент го прикажа моделот во претерано самоуверена поза. Освен тоа, проѕирната кожа и розовото уво се многу елоквентни.

Се чини дека сликата кажува дека оваа жена со зголемена сексуалност не е аверс да ги прифати напредокот на другите мажи. Покрај тоа, да се биде во брак.

За жал, современиците не го видоа ремек-делото зад овој скандал. Темен фустан, светла кожа, динамична поза - едноставна комбинација која можат да ја најдат само најталентираните мајстори.

Но, секој облак има сребрена облога. Сарџент за возврат ја доби својата слобода. Почнав повеќе да експериментирам со импресионизмот. Пишете им на децата во непосредни ситуации. Вака се појави делото „Каранфил, Лили, Лили, Роза“.

Сарџент сакаше да сними одреден момент на самракот. Затоа работев само 2 минути дневно кога осветлувањето беше соодветно. Работеше лето и есен. И кога цвеќињата секнаа, ги заменив со вештачки.

Во последните децении, Сарџент разви таков вкус за слобода што почна целосно да ги напушта портретите. Иако неговата репутација е веќе вратена. Дури и грубо отпуштил една клиентка, велејќи дека посреќен би бил да ја наслика нејзината капија отколку нејзиното лице.

Современиците го третираа Сарџент со иронија. Сметајќи го за застарен во ерата на модернизмот. Но, времето стави сè на свое место.

Сега неговите дела вредат не помалку од делата на најпознатите модернисти. Па, нема што да се каже за љубовта на јавноста. Изложбите со неговите дела секогаш се распродадени.

4. Норман Роквел (1894-1978)

Тешко е да се замисли попопуларен уметник за време на неговиот живот од Норман Роквел. Неколку генерации Американци пораснаа со неговите илустрации. Да ги сакам со сета моја душа.

На крајот на краиштата, Роквел ги прикажа обичните Американци. Но, истовремено прикажувајќи ги своите животи од најпозитивната страна. Роквел не сакаше да покаже ниту лоши татковци, ниту рамнодушни мајки. И нема да сретнете несреќни деца со него.

Неговите дела се полни со хумор, богати бои и многу вешто доловени мимики од животот.

Но, тоа е илузија дека работата била лесна за Роквел. За да создаде една слика, тој прво може да направи до сто фотографии од неговите субјекти за да ги долови вистинските гестови.

Делата на Роквел имаа огромно влијание врз главите на милиони Американци. На крајот на краиштата, тој често зборуваше преку неговите слики.

За време на Втората светска војна, тој одлучи да покаже за што се бореле војниците на неговата земја. Ја создал и сликата „Слобода од желба“. Во форма на Денот на благодарноста, каде сите членови на семејството, нахранети и задоволни, се радуваат на семејниот празник.

По 50 години во Saturday Evening Post, Роквел замина во подемократското списание Look, каде што можеше да ги искаже своите ставови за социјалните прашања.

Највпечатливото дело од тие години е „Проблемот со кој живееме“.

Ова е вистинска приказна за црно девојче кое одело во училиште за бело. Откако беше донесен закон дека луѓето (а со тоа и образовните институции) повеќе не треба да се делат по раса.

Но, немаше ограничување на гневот на жителите на градот. На пат кон училиште девојчето го чувала полиција. Ова е „рутинскиот“ момент што го покажа Роквел.

Ако сакате да го знаете животот на Американците во малку украсено светло (како што тие самите сакаа да го видат), не заборавајте да ги гледате сликите на Роквел.

Можеби, од сите сликари претставени во оваа статија, Роквел е најамериканскиот уметник.

5. Ендрју Вајет (1917-2009)

За разлика од Роквел, Вајт не беше толку позитивен. Осаменик по природа, тој не се обидуваше ништо да украси. Напротив, тој ги прикажа најобичните пејзажи и незабележителните работи. Само поле со пченица, само дрвена куќа. Но, тој дури успеа да ѕирне нешто магично во нив.

Неговото најпознато дело е „Светот на Кристина“. Вајт ја покажа судбината на една жена, неговиот сосед. Парализирана од детството, таа ползеше околу нејзината фарма.

Значи, нема ништо романтично на оваа слика, како што може да изгледа на почетокот. Ако погледнете внимателно, жената е болно слаба. И знаејќи дека нозете на хероината се парализирани, со тага разбирате колку далеку има уште од дома.

На прв поглед, Вајт го напиша најобичното нешто. Еве еден стар прозорец на стара куќа. Излитена завеса која веќе почна да се претвора во парчиња. Шумата е темна надвор од прозорецот.

Но, има некоја мистерија во сето ова. Некој друг поглед.

Вака децата знаат да гледаат на светот со отворен ум. Вајат изгледа на ист начин. И ние сме со него.

Сите работи на Вајт ги водеше неговата сопруга. Таа беше добар организатор. Таа беше таа што контактираше со музеи и колекционери.

Во нивната врска имаше малку романса. Мораше да се појави музата. И таа стана едноставна, но со извонреден изглед, Хелга. Токму тоа го гледаме на бројни работни места.

Се чини дека гледаме само фотографска слика на жена. Но, поради некоја причина е тешко да се оттргнете од неа. Нејзиниот изглед е премногу комплициран, рамената напнати. Како да сме внатрешно напнати заедно со неа. Обидувајќи се да се најде објаснување за оваа напнатост.

Прикажувајќи ја реалноста со секој детал, Вајт магично ја обдари со емоции кои не можат да остават никого рамнодушен.

Уметникот не беше препознаен долго време. Со својот реализам, иако магичен, не се вклопи во модернистичките текови на 20 век.

Кога музејските работници ги купувале неговите дела, се обидувале да го направат тоа тивко, без да привлечат внимание. Ретко се организираа изложби. Но, на завидување на модернистите, тие секогаш имаа голем успех. Луѓето доаѓаа во толпа. И тие сепак доаѓаат.

Прочитајте и за уметникот во статијата „Светот на Кристина. Ремек-делото на Ендрју Вајт“.

6. Џексон Полок (1912-1956)

Џексон Полок не може да се игнорира. Тој преминал одредена граница во уметноста, по што сликарството не можело да биде исто. Тој покажа дека во уметноста генерално е можно да се прави без граници. Кога го поставив платното на подот и го посипав со боја.

И овој американски уметник започна со апстрактна уметност, во која сè уште можеше да се следи фигуративното. Во неговото дело од 40-тите, „Стенографска фигура“, ги гледаме контурите и на лицето и на рацете. Па дури и симболи што ги разбираме во форма на крстови и нули.

Неговото дело беше пофалено, но луѓето не брзаа да го купат. Беше сиромашен како црковен глушец. И бесрамно пиеше. И покрај среќниот брак. Неговата сопруга се восхитуваше на неговиот талент и направи сè за успехот на нејзиниот сопруг.

Но, Полок првично беше скршена личност. Од неговата младост, од неговите постапки беше јасно дека раната смрт е неговата судбина.

Оваа скршеност на крајот ќе доведе до негова смрт на 44-годишна возраст. Но, тој ќе има време да направи револуција во уметноста и да стане познат.

И тоа го направи во период од две години трезвеност. Тој беше способен да работи плодно во 1950-1952 година. Тој долго време експериментираше додека не дојде до техниката капка по капка.

Поставувајќи огромно платно на подот од својата штала, шеташе околу него, како да е во самата слика. И испрскана или едноставно истурена боја.

Луѓето почнаа доброволно да ги купуваат овие необични слики од него поради нивната неверојатна оригиналност и новина.

Полок бил обземен од слава и паднал во депресија, не разбирајќи каде да се движи понатаму. Смртоносната мешавина од алкохол и депресија не му оставила никакви шанси да преживее. Еден ден седна зад воланот многу пијан. Последен пат.

7. Енди Ворхол (1928-1987)

Само во земја со таков култ на потрошувачка како во Америка можеше да се роди поп-арт. А нејзиниот главен иницијатор беше, се разбира, Енди Ворхол.

Тој стана познат по тоа што ги зема најобичните работи и ги претвори во уметничко дело. Еве што се случи со лименка од Кембелова супа.

Изборот не беше случаен. Мајката на Ворхол го хранела својот син со оваа супа секој ден повеќе од 20 години. Дури и кога се преселил во Њујорк и ја зел мајка си со себе.

По овој експеримент, Ворхол се заинтересирал за печатење на екран. Оттогаш, тој фотографирал поп ѕвезди и ги обоил во различни бои.

Вака се појави неговата позната сликана Мерлин Монро.

Беа произведени безброј такви цветови од Мерилин киселина. Ворхол ја стави уметноста на струја. Како што треба да биде во потрошувачко општество.

Ворхол не смислил насликани лица од никаде. И повторно, не беше без влијанието на мајката. Како дете, за време на долготрајното боледување на нејзиниот син, таа му носела пакети со боенки.

Ова хоби од детството прерасна во она што стана негова визит-карта и го направи неверојатно богат.

Тој ги насликал не само поп-ѕвездите, туку и ремек-делата на неговите претходници. Го добив и тоа „Венера“ од Ботичели.

„Венера“, како Мерилин, е направено многу. Ексклузивноста на уметничкото дело беше „избришана“ во прав од Ворхол. Зошто уметникот го направи ова?

Да се ​​популаризираат старите ремек-дела? Или, обратно, да се обидете да ги обезвредните? Да ги овековечите поп ѕвездите? Или смртта да ја зачини со иронија?

Неговите обоени дела на Мадона, Елвис Присли или Ленин понекогаш се попрепознатливи од оригиналните фотографии.

Но, ремек-делата едвај беа затемнети. Сепак, недопрената „Венера“ останува бесценета.

Ворхол беше страствен забавно животно, привлекувајќи многу маргинализирани луѓе. Зависници од дрога, пропаднати актери или едноставно неурамнотежени поединци. Еден од нив го застрела еднаш.

Ворхол преживеа. Но, 20 години подоцна, поради последиците од раната што некогаш ја претрпел, починал сам во својот стан.

САД тенџере за топење

И покрај кратката историја на американската уметност, опсегот е широк. Меѓу американските уметници има импресионисти (Сарџент), магични реалисти (Вајт), апстрактни експресионисти (Полок) и пионерите на поп-арт (Ворхол).

Па, Американците ја сакаат слободата на избор во сè. Стотици деноминации. Стотици народи. Стотици уметнички стилови. Затоа е топилницата на Соединетите Американски Држави.

*Тонализам - монохроматски пејзажи во сиви, сини или кафени нијанси, кога сликата е како во магла. Тонализмот се смета за гранка на импресионизмот, бидејќи го пренесува впечатокот на уметникот за она што го видел.

***

коментари други читатели Види подолу. Тие често се добар додаток на статијата. Можете исто така да го споделите вашето мислење за сликата и уметникот, како и да му поставите прашање на авторот.

Англиска верзија на статијата